WUK performing arts Archiv

Haus of Rausch ist ein queer-feministisches Kunstkollektiv, das Events wie Drag Shows organisiert und dabei vorwiegend für FLINTA* Personen und deren Allies einen sicheren Raum schafft. Zum 45. Geburtstag des WUK laden sie zu einer rauschenden Geburtstagsparty.

Zum WUK Geburtstag führt eine eigens entwickelte Schatzsuche durch unbekannte Gänge und Räume des denkmalgeschützten Gebäudes in der Währinger Straße.

Zum 30-jährigen Jubiläum von kulturen in bewegung und der Saisoneröffnung von WUK performing arts erwartet Euch im FIBER space die gefeierte Performance SPAfrica von Studio Hetzel und Ntando Cele, ein Workshop zu Artistic Freedom und Human Rights und ein Musikprogramm mit Live Acts und DJ-Sets.

Zum 30-jährigen Jubiläum von kulturen in bewegung und der Saisoneröffnung von WUK performing arts erwartet Euch im FIBER space die gefeierte Performance SPAfrica von Studio Hetzel und Ntando Cele, ein Workshop zu Artistic Freedom und Human Rights und ein Musikprogramm mit Live Acts und DJ-Sets.

Zum 30-jährigen Jubiläum von kulturen in bewegung und der Saisoneröffnung von WUK performing arts erwartet Euch im FIBER space die gefeierte Performance SPAfrica von Studio Hetzel und Ntando Cele, ein Workshop zu Artistic Freedom und Human Rights und ein Musikprogramm mit Live Acts und DJ-Sets.

ThiccPhatUTOPIAS, zweite Runde! Denn Wien will mehr! Mehr ver-queerte fat-positive Fantasien, heiße Beats, antirassistische Kunst und verzaubernde Performances! Wir feiern gegen Behindertenfeindlichkeit, gegen Fetten-Hass und feiern Widerstand gegen Hetze!

Schrille Hauptfiguren und soziale Netzwerke, die jede Kleinigkeit mediale Saltos schlagen lassen, bringen unserer politischen Gegenwart immer öfter Vergleiche mit dem Zirkus ein. Doch Gabrielle Levie genügt es nicht, die Welt für verrückt und damit für undurchschaubar zu erklären. Stattdessen tritt sie selbst in die Manege und legt die Mechanismen des Spektakels frei. Inspiriert von den historischen Zirkussen des 19. Jahrhunderts kreiert Levie ein „verzerrtes Märchen“, in dem u. a. ein humanoider Nussknacker, ein Showgirl und ein Zebra Aufschluss geben über unseren ganz normalen Wahnsinn.

Ein Duett zwischen Mensch und Kupferplatte. Außerirdisch mutet das große, polierte Objekt an – stammt aber aus tiefster Erde, aus Tagebauminen in Afrika und den Amerikas. In sich trägt es Geschichten menschlicher wie ökologischer Ausbeutung, denen Ehsan Hemat sich mittels Bewegung, Klang und Stimme nähert. Dabei schafft er eindrucksvolle Bilder: lässt das Kupfer aufflammen im Dunkeln, duckt den eigenen Körper hinter der Platte weg, erstrahlt dann wieder im Licht ihrer Reflexion. Der Titel, der als Motto für das Festival als Ganzes stehen könnte, zitiert den postkolonialen Theoretiker Achille Mbembe: Everything brings us back to the body.

Tanz nicht als frontale Unterhaltung, sondern als soziale Praxis. Ein Gewahrwerden des gemeinsamen Raumes und der Handlungsfähigkeiten darin. Das ganz genaue Hinsehen, das In-Kontakt-Treten, Durchlässig-Sein. Verabredungen treffen, umdenken und neu treffen. Schleifen des Mit- und Füreinanders. Zwischen Ewa Dziarnowska, Leah Marojević und dem Publikum entsteht über drei Stunden in einer sinnlichen und hinreißend getanzten Arbeit ein „Gegenentwurf“ dazu, wie wir uns im aktuellen gesellschaftlichen Klima „zu fühlen und zueinander in Beziehung zu setzen haben“ (Dziarnowska). Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ Gastspielförderung Tanz International, gefördert von dem Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Menschen sind geprägt von ihrer Umwelt. Was also verrät eine in Einzelteile aufgespaltene und zum Verkauf stehende Welt über ihre Bewohner:innen? Inmitten dieser „profitablen Landschaften“ eröffnet Netti Nüganen gemeinsam mit Künstlerin Pire Sova und Sounddesignerin Michaela Kisling ihre eigene Eismanufaktur. Zwischen Objekten aus Eis, mit denen auch das Publikum hantieren darf, und riesengroßen Ideen angesichts der uns allen schmelzenden Existenzgrundlage, erzählt Nüganen humorvoll, multiperspektivisch und zugleich präzise von der Widerständigkeit des Loslassens.

Nachdem sie letztes Jahr in Martina De Dominicis’ stimmungsvollem Latente zu sehen war, zeigt Magdalena Forster heuer ihr Gruppenstück Echo Body. Die in Wien lebende Künstlerin und ehemalige Pflegerin hat ein Gespür für die Zerbrechlichkeit und Kraft des Körpers, die vielschichtigen Resonanzen, Korrespondenzen und Schwellen zwischen ihm und seiner Umwelt – damit auch für den Atem, für das Ein und Aus des Lebens. In Echo Body befreit sie die Orgelpfeife, die zu den frühesten Klangkörpern der westlichen Musikgeschichte zählt, von ihrem liturgischen Kontext und entlockt ihr im choreografischen Wechselspiel neue Töne.

Mit ihrem allerersten Stück tourte Alina Arshi schon durch die Schweiz, Italien, Frankreich und UK. Ihr neues Duo soll das Publikum „mehr im Bauch und weniger im Kopf“ erreichen. Für den Sozialwissenschaftler Gregory Bateson, dessen Bücher eine Inspiration für States of bewilderment waren, bilden Körper und Geist ohnehin eine Einheit.Welche Widersprüche zutage treten, wenn zwei solcher Einheiten sich zu verbinden suchen, zeigen Arshi und Co-Performerin Juliette Uzor in winzigen Verschiebungen. So formen sich bekannte Hierarchien und noch unerschlossene Dynamiken: verstrickt, vertraut, entschieden, fassungslos.

Im zweiten Teil einer Trilogie, die das heutige Verhältnis zwischen Mensch und Maschine verarbeitet, tritt Silke Grabinger mit einem kopflosen Roboterhund, einem digitalen Küchenautomaten und drei selbsttätigen Staubsaugern auf. Mit Bezug auf Carolee Schneemanns Performance Up to and Including Her Limits sowie auf Martha Roslers Semiotics of the Kitchen liefert die Oberösterreicherin abermals eine so aufregende wie unheimliche Interaktion zwischen Körper, Choreografie und Robotik. Möchte die Künstlerin eine Maschine und befreit von alten Limits sein?

Die Luft flimmert grün und orange, wiegt beinahe tropisch schwer, Ndoho Ange ist umkreist von Subwoofern und Publikum, die Bühne ein Boxring: „Der Feind ist unsichtbar. Er ist in mir. Ich kämpfe mit mir selbst.“ Elektronische Musik aus dem Genre des Jungle, das sich durch Brüche und Wiederholungen auszeichnet, versetzt die multidisziplinäre Künstlerin und unfassbar talentierte Tänzerin in eine Suchbewegung nach einer „verschütteten Erinnerung des Körpers“. Ganz im Sinne des martinikanischen Autors Édouard Glissant, für den Sprache „ein Ort des Zitterns“ war, ringt Ange auf der bebenden Tanzfläche um Antworten.

Nachdem die Göttin Hera sie der eigenen Sprache beraubt hat, bleibt der Nymphe Echo nichts, als fremde Worte zu wiederholen. Unfähig, dem schönen Narziss ihre Liebe zu gestehen, muss sie zusehen, wie er sich in sich selbst verliebt, und verkümmert zur bloßen, selbstlosen Stimme. In Nymph tritt die tragische Figur nun aus der Obskurität heraus und in einen neuen Körper: den der Choreografin und Tänzerin Taous Bertrand, die in ihrem anmutigen Solo Echos Mythos als transfeminine Erfahrung deutet. Dabei schafft sie ein besonderes Spiel der Hände – Werkzeuge, „um einen Körper, ein Gesicht, ein Selbstbild neu zu gestalten.“

Choreograf Nikolaus Adler lädt uns zu einem spielerischen Experiment ein: Hundert choreografische Artefakte entfalten sich im leeren Raum und die Bühne wird zu einem imaginären Ausstellungsort.

Vienna's First Queer Comedy Club - hosted by Denice Bourbon - is back at WUK!

Von DragWrestling, Fearleading, Drag, Live Rap & Music, Performance, Comedy, Tanz, DJs - unsere Kunst & die Menschen dahinter sind vielseitig! Let‘s zerfetz gemeinsam! Mit: Spizy – G, Zeche Hinterfotzing, Perchtas & Krampussies, DragWrestling Crew, Sebastian Humi, Fearleaders, Fem Chor, GATAFIERA, DaDa JV, Pandora Nox, Madame Lea, Miss Clit, Marie Kristin Wölbitsch

DIGGING DEEP beleuchtet die Erde und ihre verborgenen Schichten. Ausgestattet mit Schaufeln erkundet das Publikum ein Feld, und ist eingeladen Geschichten freizulegen, Geheimnisse einzugraben und im Archiv der Erde zu speisen. Andrea Gunnlaugsdóttir, Claudia Lomoschitz und Crystal Wall teilen Funde aus den Tiefen der Erde und besingen feministische Zukünfte in polyphonen Liedern.

Eine moderne Requiem-Form für Europas zweitgrößten Fluss – ein zeitgenössisches Musiktheater, das die Donau nicht als Landschaft, sondern als verletztes Wesen begreift.

RAGE fahndet nach den verschiedenen Lesarten von Wut und untersucht Gründe ihrer Ungleichverteilung. Untersuchungsfeld ist der Tenniscourt als Schauplatz, in dem Einschreibungen von race und Gender verhandelt werden.

Salon Souterrain: Confort Out wendet sich vom Ideal der Perfektion ab und bekennt sich zu Narben und erfinderischer Reparatur. Der Ansatz ist robust und beharrlich: Raum und Aufmerksamkeit werden eingenommen – als weithin akzeptierte Subversion von Verletzlichkeit.

Dieses Get-together bietet Raum, um auf das weitere Abendprogramm einzustimmen, den Festivalverlauf Revue passieren zu lassen sowie Access-Bedürfnisse und Wünsche für den gemeinsamen Festivalabschluss zu teilen.

In unseen befindet sich das Publikum in einer Zwischenwelt: Bewegung, Empfindung und Präsenz verschmelzen miteinander; ganz still und leise entfaltet sich Transformation. Die Performer*innen bewegen sich zu wechselnden Rhythmen und mit subtilen Gesten, in denen Gewissheit sich auflöst und neue Möglichkeiten entstehen.

Bounce ist ein klangliches Abenteuer, eine kinetische Performance und eine immersive Reise durch wogende Wellen, resonante Metallstrukturen und ansteckende, druckvolle Beats. Auf einem mehrfach mikrofonierten Metallgerüst entwirft ein interdisziplinäres Team ein Netz aus Klang und Bewegung.

PARTY! feiert die Feier und zelebriert die Kraft des Tanzes als Katharsis in Momenten globaler und privater Krisen. Die Solo-Performance von Luigi Guerrieri ist eine Suche nach Leichtigkeit in schweren Zeiten, eine Reflexion über das Feiern als Form der Resilienz und gleichzeitig eine Hinterfragung der Resilienz selbst.

„Love Me Tender, Love Me Queer“ ist eine Theater-Performance über die Möglichkeiten und Unmöglickeiten zu lieben – entwickelt aus Interviews mit in Wien lebenden queeren Personen im Alter von 21 bis 84 Jahren.

Die partizipative Installation erzählt an verschiedenen Orten Wiens die trans, inter* und nichtbinäre Geschichte der Stadt, nimmt immer wieder neue Geschichten auf und macht so wichtige Geschichte/n Wiens sichtbar und erweitert sie.
Sie kann an den Vorstellungstagen von Love Me Tender, Love Me Queer im Foyer besucht werden.

In violet glace the ace stands for asexual. Flóra Boros choreographs a space that is intentionally ambiguous — a room where sensuality does not demand explanation or erotic readability. This solo unfolds like a slow-burn romance and invites the audience to experience a gaze that lingers without devouring.

Vienna's First Queer Comedy Club - hosted by Denice Bourbon - is back at WUK!

In a surreal waiting room, three performers probe dictation as a bodily and sonic force—circling its power structures while searching for moments of deviation.

In amores verwandeln sich poetische Fantasien, mythische Liebesbilder und libidinöse Denkfiguren in performative Erfahrungsräume.

Eine Woche lang feiern wir jeden Vormittag zwei Stunden lang! Gemeinsam mit dem Performance-Team aus Wien erforschen wir die kathartische Kraft des Tanzens und Feierns. Alle Künstler*innen bringen ihre eigenen Erfahrungen, ihre Expertise und Perspektiven ein- jeder Tag wird von einer anderen Performer*in geleitet.

Junge Menschen öffnen die Tür zu ihrem ‚Jugendzimmer des Lebens‘ und fragen schonungslos, humorvoll und klar: Was bedeutet der Tod für uns alle?

Der Sägezahn knirscht wieder – Noise meets Sculpture meets Performance meets Club. Nach längere Pause heben die Sägezahn Macher Schaab und Suske das interdisziplinäre Format in Koproduktion mit dem Wuk auf die nächste Ebene. Im Zentrum steht diesmal mehr denn je; Space is only noise. Oder die Verschmelzung von Raum und Ereignis.

In diesem Solo lädt der Künstler das Publikum ein, sich mit der Pause auseinanderzusetzen – mit Spannung, mit Schwebezustand – durch eine zarte und verspielte Erfahrung, in der das Abwesende Gestalt annimmt.

Vienna's First Queer Comedy Club - hosted by Denice Bourbon - is back at WUK!

Der Workshop reflektiert Machtverhältnisse, Ableismus und Inklusion im Kunst- und Kulturbereich und fragt: How to be an ally? Gemeinsam werden Grundlagen für barrierefreie Zusammenarbeit und erste Ansätze für den Access Rider entwickelt.

Zeitgleich zur 30. Weltklimakonferenz in Brasilien bietet die installative Performance „JUSTITIA! Eco Criminals“ Einblicke in zwei Seiten eines hochaktuellen Konflikts und lässt das Publikum selbst wählen, welcher Perspektive des Geschehens es folgt: dem Weg der Aktivist*innen vor Gericht oder der Sicht der Konzerne.

Chaos über Form: Ausgehend von der Stärke und der Formbarkeit von Marmor erforschen Laureen Drexler und Giorgia Scisciola in PIERRE das Thema Unterdrückung – und entdecken dabei eine Identität jenseits von Definitionen.

Wie weit geht man für Erfolg? Ballett als persönliche Auseinandersetzung mit klassischem Tanz zeigt François-Eloi Lavignac in Fifth position – eine autofiktionale, subversive Aufopferung als tragische Ballett-Lovestory.

Ab in die Sandkiste! Sand, ein Material, das vielfältige Formen schaffen und gleichzeitig wieder auslöschen kann, wird in Sandpit zu einem Stoff, aus dem unendlich viele Geschichten und Bilder entstehen können. Er verbirgt und enthüllt, nur Spuren bleiben sichtbar.

Das Mentoringprogramm HUGGY BEARS unterstützt Nachwuchskünstler_innen aus der performativen Kunst bei der Realisierung eines Projekts.

Skateboard fahren, tanzen, balancieren, springen, Klischees aufbrechen, Bewegungen erproben: Mit sk8r grrrl feiern Flora Renhardt und Maria Mam Flinta*-Personen in der Skateszene. Und bauen sich den Skatepark ihrer Träume.

FIBER space für Verbindendes ist ein neuer, vielstimmiger Ort, der Wiener und internationale Künstler*innen zusammenbringt. Die unterschiedlichen künstlerischen Positionen werfen einen kritischen Blick auf Herkunft, Zugehörigkeit und Identität. FIBER space lädt dazu ein, Widersprüchlichkeiten und Gemeinsames zu verbinden und ins Gespräch zu kommen.

mit Silk Graf, Epona Hamdan, Irene Lucas/solarmanufaktur, Karin Reisinger, Virág Major-Kremer, Dorothea Trappel, , Ertuğrul Bayraktar, Monika Mokre

Das Symposium widmet sich aktuellen ökofeministischen Ansätzen in der Kunstproduktion, angesichts einer zerstörten und ausgebeuteten Welt und befasst sich mit Praktiken der Nachhaltigkeit und queeren Gegenerzählungen zu Ökozid und kapitalistischer Gewalt.

mit Imani Rameses, Dr. Mekhala Dave, Urška Jurman, Elke Krasny, Julischka Stengele

Eine improvisierte Live-Performance, die Tanz, Sprache, Gestik und Gesang miteinander verbindet. Geführt von einem Performance-Host reagieren die Performerinnen in Echtzeit auf Themen, die gemeinsam mit dem Publikum ausgewählt werden.

Tag 1 mit einem geführter Walk auf der Donauinsel mit Vienna Plant Club.

Your Season! lädt dazu ein, Teil einer künstlerischen Praxis zu werden – zwischen Tanzperformance, Workshop und Community-Art. Über fünf Wochen verwandelt sich Der Betrieb in eine choreografische Landschaft, geprägt von Zuhören und Dialog.

Gearbeitet wird mit Bewegung, Stimme, Gestik und Sprache, und wie im Moment eine kollektive Dramaturgie entstehen kann. Der Workshop richtet sich an Künstler*innen aller Disziplinen – Vorerfahrung in den darstellenden Künsten ist nicht erforderlich.

Ein partizipativer Workshop, der durch Bewegung, Stimme und gemeinsames Erzählen die Geschichten und Atmosphären rund um den Zukunftshof körperlich erfahrbar macht.

FIBER space für Verbindendes ist ein neuer, vielstimmiger Ort, der Wiener und internationale Künstler*innen zusammenbringt. Die unterschiedlichen künstlerischen Positionen werfen einen kritischen Blick auf Herkunft, Zugehörigkeit und Identität. FIBER space lädt dazu ein, Widersprüchlichkeiten und Gemeinsames zu verbinden und ins Gespräch zu kommen.

Von DragWrestling, Fearleading, Drag, Live Rap & Music, Performance, Comedy, Tanz, DJs - unsere Kunst & die Menschen dahinter sind vielseitig! Let‘s zerfetz gemeinsam! Mit: DragWrestling Crew, Rawcat & MissBunPun, Batala, Missex, der Kuseng, Queer Muscle, the Brave Wave, Fearleaders Vienna, Drag von Pandora Nox, Antisex & La Terre

Feiern als widerständige Praxis! ThiccPhatUTOPIAS – une fête! bringt BIPoC-Power, trans-joy und queer-feministische Clubkultur auf die Bühne an einem Abend gegen Fettfeindlichkeit, Rassismus und LGBTQAI+-Hass.

Milan. Mein Milan. taucht ein in die Welt der Ultras, dorthin, wo Fankultur zur Bühne für Sehnsucht, Leidenschaft und Gemeinschaft wird. Zwischen mitreißender Euphorie und gefährlicher Grenzüberschreitung stellt sich die Frage: Wovon träumen wir gegen das Alleinsein – und wann kippt Hingabe in Fanatismus? Ein poetisches Derby der Emotionen.

Die dynamisch wachsende Tanzperformance Carpet of Time macht die Schönheit eines non-hierarchischen Miteinanders durch Bewegung, Muster und Klang erfahrbar und verbindet Tradition mit zeitgenössischen Fragestellungen zu Wahrnehmung, Zeit und Resonanz und wird so zu einem Symbol gegen hierarchische Strukturen.

Wien 2050 – Utopie oder Realität? Angesichts politischer Instabilität und kurzfristiger Strategien braucht es neue Zukunftsvisionen. Salon Souterrain: Nowtopia eröffnet einen Raum, um mit Kunst alternative Wege zu erkunden.

Was ist echt? Was ist fake? Deep Fake, gergő d. farkas’ erstes choreografisches Werk von 2021, entführt uns in eine Welt zwischen virtueller und authentischer Realität. Ein so schwarzhumoriger wie melancholischer Abgesang auf das Ende des Anthropozäns.

Die Bühne als Übungsfeld für kollektives Handeln und sinnvolle Verbindungen. Die Performance feiert das Potenzial von Versammlungen - ob festlich, politisch oder utopisch - und stellt sich das Theater als einen Raum vor, in dem neue Formen des Zusammenseins geprobt werden.

Zwischen surrealer Dystopie und bedrückendem Realismus zeigt TEMPORA in einem der historischen Pavillons der Baumgartnerhöhe das Abbild einer tiefen gesellschaftlichen Verunsicherung und lädt das Publikum ein auf eine immersive Reise in eine Zukunft, die uns heute schon herausfordert.

Für BLIND DATE EUROPA haben Theater im Bahnhof die Grazer Öffi-Linien auf die Europa-Karte projiziert, um Reiseziele festzulegen. Die Trilogie zeichnet ein vielschichtiges Panorama Europas, das die zentrale Frage aufwirft: Können wir noch miteinander?
19.2. Teil 1: BLIND DATE OST
20.2. Teil 2: BLIND DATE MITTE
21.2. Teil 3: BLIND DATE WEST

RAGE ist eine interdisziplinäre Solo-Punk-Performance, die aus einer Reihe von Enttäuschungen hervorging und eine kreative Antwort auf die wachsende Epidemie der Einsamkeit und Polarisierung in der Gesellschaft, eine Antwort, die die Grenzen von Sprache und Symbolik in einer hypersensiblen Welt auslotet.

Die Menschheit verbraucht doppelt so viel Sand, wie Flüsse liefern können. Innerhalb von 90 Minuten verdichtet die Inszenierung dieses globale Dilemma. Markus&Markus steht für dokumentarisches Theater, intensive Recherche und radikale Perfektionslosigkeit. Ihre preisgekrönten Produktionen sind international gefragt.

Inspiriert von der absurden Welt von SpongeBob Schwammkopf beleuchtet das Künstler*innenkollektiv God's Entertainment aktuelle gesellschaftliche Fragen mit Humor und dadaistischer Ästhetik. Von Identitätspolitik bis Tentakelspektakel wird die Bubble zum Ort radikaler Selbstreflexion – immer zwischen Protest und Seifenblasen. Die siebenteilige Performance-Serie sPONGEbOBO šWAMMgODS findet mit Episoden VII und VIII ihren Abschluss im WUK.

Der Sägezahn knirscht wieder – Noise meets Sculpture meets Performance meets Club. Nach längere Pause heben die Sägezahn Macher Schaab und Suske das interdisziplinäre Format in Koproduktion mit dem Wuk auf die nächste Ebene. Im Zentrum steht diesmal mehr denn je; Space is only noise. Oder die Verschmelzung von Raum und Ereignis.

Humor, Ironie und Sarkasmus, die Klischees anfechten, wiederverwerten, dekonstruieren. Der Witz ist im Wesentlichen eine Bedeutungsänderung, eine Umkehrung der Bedeutung von Klischees. Wir wollen gemeinsam mit Humor und mit unserem durchdringenden Lachen die herrschenden Verhältnisse zertrümmern. CLIŠHÉ TRÄSH bringt großartige Performer*innen und Stand-Up Comedians auf die Bühne, um ein Verständnis der aktuellen politischen Debatten durch das Prisma des Humors zu ermöglichen.

In einer skurrilen Mischung aus Tanz, Musik, Klangkunst, Poesie und Arbeit bauen die beiden Performancekünstler Frans Poelstra und Oleg Soulimenko ein DIY-Zuhause auf der Bühne. Sie teilen ihre Vision von einem Zuhause jenseits von anheimelnden Gefühlen und privatem Eskapismus und laden das Publikum zu einem öffentlichen House-Warming ein.

Let's celebrate queer erotic art and performative acts on sensuality, lust and forms of desire.

Hier wird untersucht, wie das Individuum das Kollektiv beeinflusst und umgekehrt. Es stellt sich die Frage: Wer hat die Kontrolle? Wer folgt wem? Wessen Wünsche und Bedürfnisse werden erfüllt? MO-ZA-IK beschäftigt sich in Elevate mit individuellen und kollektiven Befreiungsbestrebungen und deren wechselseitigen Beeinflussungen.

In Ruin Your Life laden installative Videoarbeiten mit eigenwilligen Erörterungen, performative Miniaturen und Momente des direkten Austauschs mit den Performer*innen dazu ein, sich humorvoll-kritisch mit wirkmächtigen Normen und Ideologien, den eigenen Hoffnungen und Erfahrungen, abschreckenden Beispielen und der unerbittlichen Ökonomie der (Lebens-)Zeit auseinanderzusetzen.

Das Mentoringprogramm HUGGY BEARS unterstützt Nachwuchskünstler_innen aus der performativen Kunst bei der Realisierung eines Projekts.

Fünf Performer_innen und ein Musiker durchlaufen einen geburts- und sterbeähnlichen Zustand. Sie befinden sich in einem transzendentalen Bewusstseinszustand, der das Gebären und Sterben begleitet, ein Zustand, der die gesamte Existenz ins Hier und Jetzt zwingt und in dem Schmerz und Angst zu materiellen Quellen der Inspiration werden.

Halten soziale Netzwerke uns in Filterblasen gefangen? Salon Souterrain setzt mit einem interdisziplinären Ansatz genau hier an und lädt dazu ein, durch Kunst und Dialog unsere festgefahrenen Perspektiven zu hinterfragen und intellektuelle Blasen aufzubrechen.

"Latente" explores touch as a form of manifesting what goes unseen but yet may affect by revisiting the Medieval and invoking its devotional powers. The three performers delve into the personal and collective memory of touch perception and images of touch.

In «Vanished» erkunden Alberto Franceschini und Mirko Guido mit einem jungen Ensemble die bewegende Reise des Erwachsenwerdens, in der Adoleszenz als Übergangsphase zwischen Vergangenheit und Zukunft in einem pulsierenden „Raum im Werden“ lebendig wird.

Ausgehend von der Produktion IDOL, bei der sowohl abled als auch disabled bodies auf der Bühne stehen und das achtsame Miteinander eine zentrale Rolle spielt, besprechen wir mit “Dramaturgie der Achtsamkeit: Diverse Körper, Tanz & sichere Räume” Strategien, die ein inklusives, barriereärmeres Arbeiten auf der Bühne begünstigen könnten.

In der gemeinsamen Produktion "Idol" schaffen HODWORKS und ArtMenők einen inklusiven Raum, in dem Menschen mit und ohne Behinderung durch kreative Arbeit neue Ausdrucksmöglichkeiten in der zeitgenössischen darstellenden Kunst erkunden, um soziale Veränderungen zu fördern und die oft starren Regeln des Tanzes neu zu denken.

Der Workshop untersucht, wie sich Beziehungen zu anderen und zum Raum verändern, wenn ein inklusiver Space geschaffen wird, und wie sich durch angeleitete Körperwahrnehmungsübungen die Selbstwahrnehmung, der Tanz und die Strukturierung des Tanzes im Raum entwickeln, wobei die Teilnehmenden gemeinsam improvisieren, komponieren und ihre einzigartige Bewegung im Verhältnis zu anderen entdecken.

Die MUSIKTHEATERTAGE WIEN begeben sich heuer von 18. bis zum 28. September auf diversen Bühnen in der ganzen Stadt auf die Suche nach neuen Verbindungen zwischen Musik, Text, Raum, und Technologie.

Netti Nüganen erhebt sich aus dem Dreck und taucht mit einem Kinderkassettenrekorder wieder ein, um verschiedene Objekte mit einem sorgfältigen Blick zu betrachten. Sie glaubt, dass in jedem Fund versteckte Energien, Mythen und Fiktionen lauern, die bis in die Gegenwart wirken und mögliche Zukünfte beeinflussen können.

Die französische Schriftstellerin Hélène Cixous beschreibt die Nacht als einen Raum der Zuflucht und des Widerstandes. In "FROM THE THROAT TO THE DAWN" tritt der iranische Performancekünstler Sorour Darabi als Scheherazade auf, begleitet von einer Harfe, und enthüllt eine Landschaft, die im Licht nicht sichtbar ist.

Zoë Demoustier erforscht das Archiv ihres Vaters, des Kriegsfotografen Daniel Demoustier, und verarbeitet die Eindrücke seiner Arbeit künstlerisch. In "Unfolding an Archive" werden durch Tanz, Schauspiel und Sound die Spuren seiner Aufnahmen nachgezeichnet, während die Härte der Bilder im Hintergrund bleibt.

Hermanis liefert gemeinsam mit Co-Performer*innen Anna Ansone und Krišjānis Elviks ein Mutter-Vater-Kind-Spiel der besonderen Art und macht spürbar, wie uns unser Bedürfnis nach vorinstallierten Rollen und Regeln bis in die abstruseste Fantasie hinein verfolgt.

Eine gemeinsame Arbeit über Freundschaft und die Spuren zweier Leben: Stéphane Peeps Moun präsentiert "Last Dance" mit Voice-Over-Erzählungen seiner Mutter in einem kamerunischen Dialekt, musikalisch untermalt von rRoxymore, gefolgt von "And for the time being", einer traumähnlichen Begegnung zwischen Peeps’ künstlerischem Weggefährten Ian Kaler und einem Pferd, die durch textliche Untertitelung zusätzliche narrative Stränge eröffnet.

In Slamming setzt sich die zwischen Berlin und Athen arbeitende Choreografin mit ihren Co-Performerinnen Irina Georgiou und Noumissa Sidibé zu einer dreiköpfigen, sechsarmigen Menge zusammen und lässt uns teilhaben an der kollektiven Verausgabung. Zwischen Wut und Schweiß und Schmerz und Lust greifen die drei immer aufs Neue um, lassen sich gehen, finden sich wieder, und folgen Giorgios Poulios’ eindringlichen Sounds ins unbenennbare, lebendige Gefühl.

Ein intimes wie gespenstisches Duett zwischen einem lebenden und einem leblosen Körper, zwischen Georges Labbat und seinem in Harz gegossenen Doppelgänger. In völliger Dunkelheit lassen sich die starre Puppe und der P.A.R.T.S.-studierte Tänzer und Choreograf auf widersprüchliche Gefühle der Befremdung und des Verlangens ein.

Pünktlich zur Vienna Pride 2024 und der UEFA EURO 2024 sowie erneuter homophober & sexistischer Vorfälle von Fans lokaler Sportvereine stellt sich die DragWrestling Crew die dringliche Frage: Kann Fankultur anders aussehen? Mit einem vielfältigen Programm an Performances gibt dieses Event eine deutliche Antwort in die Goschn aller Kritiker_innen.

Eine international bekannte Zürcher Drag Kuh singt sich in unsere Herzen, philosophiert über nicht-menschliche Körper im Stadtraum und verdreht uns dabei nachhaltig die Perspektive.

Sechs Performer_innen konstruieren gemeinsam einen großen Metallring. Er wird von Hand gebogen, verschweißt und zum Schweben gebracht. Darauf transformiert sich das Objekt zum kollektiven Instrument und wird zum Taktgeber des Abends. Parallel lauschen wir längst vergessenen Anekdoten aus dem Bergbau und folgen einem minimalistischen Cloud-Chor.

Mit Humor und durchdringendem Lachen die herrschenden Verhältnisse zertrümmern! Mit Ironie und Sarkasmus, die Klischees anfechten, wiederverwerten, dekonstruieren! CLIŠHÉ TRÄSH bringt großartige Performer_innen und Stand-Up Comedians auf die Bühne, um ein Verständnis der aktuellen politischen Debatten durch das Prisma des Humors zu ermöglichen.

Die Teilnehmenden begeben sich in ungewöhnliche Szenarien, in denen sie in eigenartige Begegnungen verstrickt werden, wobei das Smartphone und damit einhergehende Gesprächsmuster und Gewohnheiten stets präsent sind.

Die Performance ergründet das Potenzial des Zusammenkommens von Fremden in einem neuen Raum, voller Offenheit und Neugierde. Persönlichkeiten, Erfahrungen und Fantasien formen die Inhalte, während sich Werte und Realitäten ständig verändern.

Mit „Magda Toffler“ - der zweiten Arbeit, in welcher er selbst die Bühne betritt - macht Boris Nikitin eine Tiefenbohrung in die verborgenen Schichten des europäischen 20. Jahrhunderts. Wie bereits in „Versuch über das Sterben“ ist die Inszenierung auf wenige Elemente reduziert: ein Stuhl, ein Manuskript und Nikitin selbst.

Die Tagung lädt dazu ein, die Herausforderungen autofiktionalen Darstellens in einem Dialog zwischen internationalen Künstler_innen und Wissenschaftler_innen zu diskutieren.